Des scientifiques qui testent l’effet d’une sonate de Mozart sur la productivité des vaches, des médecins qui utilisent la musique pour résoudre les problèmes d’éjaculation précoce... Le jour caricatural sous lequel les bienfaits de la musique sont souvent présentés dresse un portrait réducteur des recherches médicales qui entendent exploiter les vertus thérapeutiques de la musique. Et la sagesse populaire ne s’y trompe pas, puisque la croyance est effectivement répandue que la musique peut avoir de grands effets sur l’humeur et sur l’état général de tout un chacun. S’il semble raisonnable d’aller chercher réconfort dans les musiques douces, il paraît plus insidieux de confier son bien-être à certaines pseudosciences édictées sur le compte de musiques bienfaisantes. David Christoffel propose un tour d’horizon des théories en circulation sur la question et s’interroge sur les risques à médicaliser son rapport à la musique.

[Note : deux versions du livre sont publiées. L'une, interopérable (c'est-à-dire, lisible sur tous supports), nécessite que vous téléchargiez les morceaux audio disponibles, et l'autre, non-interopérable (lisible sur les supports de lecture pouvant supporter l'audio), contenant les morceaux audio.] Dans la démarche de David Christoffel, l’écriture et la voix sont indissociables : l’écriture garde d’ailleurs les signes de la partition. Elle ne s’éloigne pas du contemporain, de ce qui nous entoure au plus près. C’est la partition, les ruptures de l’intonation, les ellipse de la syntaxe qui vont happer les différents registres de la parole, celle que nous employons tous les jours, celle que nous hissons devant nous au moment d’écrire. Les nappes alors se superposent, s’entrechoquent, la rhétorique se disloque et c’est cette relation de toujours des mots aux choses, de l’écriture au monde, qui surgit devant nous, avec cette attention digne des lettristes, souvent une vraie joie déclamatoire, et la convocation de tous les anciens rites de déclamation – voir le Récital pour Hyppolite Rougon ou les Poèmes pour mégaphone. François Bon FB Notes...

Les textes de Tarkos ne cessent tout ensemble de rappeler le mensonge et de le combattre, souvent avec beaucoup de drôlerie, de sens de l’absurde – on glisse d’un registre à l’autre, du comique au tragique, comme on glisse d’un son à l’autre, retenus par, et poussés dans, la viscosité de la pâte-mot. Mais l’humour est violent : le verbe n’est pas seulement corporel, il est "comme un coup de feu". Nathalie Quintane . Christophe Tarkos (1963-2004) fait paraître ses premiers poèmes au début des années 1990 dans des revues. En une décennie, il impose la présence d’une voix singulière, l’une des plus originales de la poésie française. Depuis sa mort en 2004, à l’âge de quarante ans, son influence n’a cessé de se développer. Cette anthologie inédite rassemble ses textes et ses poèmes majeurs comme Le Petit Bidon, Je gonfle, Manifeste chou... ainsi que des extraits de Caisses, Anachronisme ou L’Argent.

Aux amateurs de littérature numérique, le Web offre en deux clics l’œuvre et son envers, son mystère et une partie de ses clés, le spectacle et sa machinerie intellectuelle ou technique. Qu’on l’appelle «cyberlittérature» ou «littérature numérique», cette littérature n’aurait pas de réalité sans le support numérique et le dispositif informatique grâce auxquels l’œuvre est produite, lue et souvent agie. L’ambition de cet ouvrage est de faire entrer le lecteur dans l’univers des œuvres numériques, en interrogeant au passage le modèle classique de l’édition. Les auteurs ont choisi d’observer deux dispositifs collectifs : autrement dit, deux lieux sur le Web où deux communautés d’acteurs livrent simultanément quelques-unes des clés essentielles de leur raison sociale dans le domaine littéraire en ligne. Du territoire occupé sur le réseau au geste d’une écriture qui revendique son originalité, en passant par la possible émergence d’un modèle inédit d’édition, il ne s’agit pas moins que de se demander si, finalement, ce que l’on désigne par «littérature numérique» n’est pas l’expression d’un nouveau paradigme...

« Après Auschwitz », ce n’est pas tant l’art qui devenait impossible. C’est plutôt le chrétien, qui « aura vécu ». Il n’y aura pas eu « les chrétiens », quand il le fallait. Michel Deguy Ridiculiser la religion est une vertu. Le blasphème est, plus que jamais, non seulement excusable, mais nécessaire. Patrick Declerck Témoignant d'un christianisme éteint, le cadavre de Dieu est soustrait à toute ressaisie de sa mort par le vif. L'ère du « pour en finir avec le jugement de Dieu » est consommée. Véronique Bergen Avec des textes de : Malek Abbou, Bernard Andrieu, Éric Arlix, Antonin Artaud, Bernard Aspe, Sylvain Auroux, Georges Bataille, Franco Berardi, Véronique Bergen, Julien Blaine, Benoît Casas, David Christoffel, Patrick Declerck, Michel Deguy, Denis Diderot, Philippe Di Folco, Camille Dumoulié, Maurice Godelier, Ludovic Hary, Alain Helissen, Alain Jugnon, Jean-Pierre Klein, le Comte de Lautréamont, Jean-Clet Martin, Quentin Meillassoux, Luis de Miranda, Didier Moulinier, Joseph Mouton, Jean-Luc Nancy, Friedrich Nietzsche, Guillaume Paoli, Serge Quadruppani, Olivier Razac, Fernando Savater, Ian Soliane, Bernard Stiegler, Michel Surya, Laurent de ...

Ce livre est le premier en France à étudier les enjeux et pratiques des différentes formes de résidences d’artistes, en lieux de formation, en entreprises et en centre d’art. Mobilisant des artistes, des universitaires et des professionnels de tous milieux, il recourt à des articles comme à des entretiens, pour définir les cadres des dispositifs, leurs forces et leurs limites, sans oublier des ouvertures internationales. Etudiant la place de l’artiste dans notre société, ce livre s’interroge sur ce que peut l’art, dans un monde agité par des logiques ultra-libéralistes et la consommation déraisonnables des biens matériels. Que peut l’art en effet mais que peut la résidence d’artiste ?

« Le but de l’écriture, c’est de porter la vie à l’état d’une puissance non personnelle », nous dit Gilles Deleuze. En définissant ainsi la littérature, Deleuze nous demande de ne plus la penser en termes thématiques, ni même génériques, mais plutôt en termes d’activité et de créativité. De sa définition, entre esthétique et esquisse d’une théorie de la réception, de « l’impersonnel » du texte littéraire comme « flux qui conjugue avec d’autres flux », naissent de nombreuses questions : l’impersonnel peut-il nous aider à mieux penser le texte et, inversement, aider le texte à se penser soi-même ? Comment le texte et l’écriture amènent-ils l’écrivain à dépasser le seuil de sa propre vie, son propre contexte, sa propre histoire pour toucher quelque chose en dehors de la vie ? Qu’arrive-t-il au lecteur d’un tel texte ? Qu’advient-il dans cette rencontre entre lecteur et texte impersonnel ? Ouvert à toutes les littératures d’Europe et d’Amérique, cet ouvrage est la réponse de chercheurs, de philosophes et de poètes à cette notion problématique. Par-delà la définition deleuzienne, il s’agit d’établir un...

Qui a pu être assez fou pour avoir eu, un jour, l’idée de faire de la musique avec de l’électricité ? Et comment est-ce possible d’ailleurs ? Qui se cache derrière ces instruments loufoques, ancêtres des pianos numériques actuels, ces immenses orgues criblés de fils électriques ou ces claviers surréalistes aux notes futuristes, dont les noms insensés - télégraphe harmonique, théâtrophone, Telharmonium, Audion Piano, Ondes Musicales, Orgue B3, Clavivox ou Polymoog - disent déjà la folie ? Des amoureux du son, très certainement, mais surtout d’immenses inventeurs. Ils s’appellent Edison, Cahill, Martenot, Mathews, Moog ou encore Zinovieff et Kakehashi, ils sont américains, anglais, français, russes ou japonais, et ils ont en commun un esprit insatiablement curieux et créatif, un amour des circuits électriques et des notes harmoniques, et une vision révolutionnaire de la musique. Successivement, ensemble et parfois en s’opposant, ils vont changer le visage du son en nous faisant passer, en près d’un siècle et demi, du piano acoustique aux bijoux technologiques d’aujourd’hui. De 1870 à nos jours et du premier microphone au dernier...

'Le pamphlet contre la mort se regarde comme quand on contemple longtemps un cercueil et qu'on imagine quelqu'un dedans. Dans ce livre, le cercueil sera le cerveau de toute l'histoire d'un type en dedans, avec sa vie, ses pensées, ses colères, ses amours, ses rêves et ses héros bas de plafond. Tout ça qu'il a voulu brûler par l'écrit. Tous les papiers du type qu'on imagine dans le cercueil. Toutes les paroles et ses manifestes qui l'ont traversé ces derniers temps et qui sont consignés, ici, dans cette cervelle de papier. Une cervelle pamphlétaire.'

Koki et Panda Dément sont deux poètes médiocres. Ensemble, ils décident de concocter la recette d'une poésie nouvelle et révolutionnaire capable de réellement changer le monde. Mais comment peut-on écrire de la poésie engagée à une époque où la poésie semble avoir perdu sa capacité à bousculer l'ordre établi ? S'en suit alors un voyage entre les extrêmes. Récit à la fois sérieux et absurde, poétique et narratif, drôle et grave, naïf et savant, c'est un exutoire salvateur pour qui peine à supporter le monde tel qu'il est devenu. Son écriture éclairée prend aux tripes et chaque partie du livre se révèle progressivement dans un crescendo irrésistible d'évocations rock, pop et utopiques. Entre Raymond Carver, Pasolini et Patti Smith, Une armée d'amants est un OVNI d'aujourd'hui et demain pour apprendre, désapprendre, réapprendre à jouir, rien de moins. — Guillaume Vissac Traduit de l'anglais (États-Unis) par Philippe Aigrain — Publication originale : AN ARMY OF LOVERS, Juliana Spahr et David Buuck, © City Light Publishers, 2013, ISBN 978-00-87286-929-4 Ce livre est également disponible en papier...

Cet ouvrage que le compositeur Éric Tanguy consacre à Sibelius évoque sa musique et l’amour qu’il lui porte. Il a pour cela choisi de parler de neuf œuvres emblématiques, qui sont autant de jalons dans la vie créatrice du musicien finlandais, du jaillissement de Kullervo à la pièce funèbre Surusoitto. Neuf œuvres qui sont autant de fenêtres ouvertes sur un univers uniment onirique, romantique et visionnaire. À travers ce parcours personnel, alternant les genres musicaux, le lecteur entre dans l’intelligence de l’art de Sibelius, au cœur même de cette intimité si particulière qui lie un compositeur à un autre. Né en 1968, Éric Tanguy a composé des œuvres solistes, de musique de chambre et concertantes. Ancien pensionnaire à l’Académie de France à Rome, il a reçu de nombreux prix, parmi lesquels à deux reprises celui de Compositeur de l’année lors des Victoires de la musique classique et le Grand Prix de la la Sacem pour l’ensemble de sa carrière. Il a écrit Écouter Sibelius en collaboration avec Nathalie Krafft, journaliste, qui est notamment l’auteur d’Un dîner en musique ainsi que de la nouvelle édition des Cahiers de conversation ...

DEERHOOF ("sabot de cerf" en anglais) est un groupe de rock "indé" américain créé en 1994 et auteur, à ce jour, de treize albums d’une musique extrêmement originale et captivante, embrassant aussi bien l’art de la mélodie pop que l’expérimentation sonore, le format rock classique ou l’improvisation free en passant par la musique électronique et les « musiques du monde ». Bref, un quatuor qui à chaque nouvel album invente une musique inattendue et fraîche. C’est cette fraîcheur, cette inventivité toujours renouvelées qui ont donné à Frédéric Forte l’envie de prendre Deerhoof comme matière première de son livre. Un livre dont le titre ne pouvait être que Dire ouf – qui est, en français, la manière fautive (le [h] disparaissant) dont le nom du groupe est souvent prononcé. Fait de formes très différentes distribuées au long de trois parties contrastées, allant de poèmes relativement longs et rigoureusement métrés à d’autres très brefs utilisant les paroles du groupe comme une matière à modeler, en passant par une prose inattendue en contradiction apparente avec les autres modes, Dire ouf vise à démontrer l’imprévisibilité du...

Reports of the sections of the society are included, also reports of the affiliated scientific societies.

Même si tous les artistes ne se sont pas toujours exprimés conformément aux canons des mouvements picturaux de leur époque, la notion de "courant”, à prendre avec précaution et avec distance, permet de regrouper d'une manière schématique les différents langages visuels à travers leurs époques et de distinguer d'une manière générale, les grandes étapes de l'histoire de la peinture.