Ouvrage de préparation au concours de l’Agrégation. - Cormac McCarthy, No Country for Old Men [2005] - le film No Country for Old Men, réalisé par Ethan et Joel Coen [2007]
Les frères Coen, "réalisateur à deux têtes", tandem farouchement inclassable, paire prodigieuse révélée au grand public par Arizona junior (1987), dressent un tableau désopilant de l'Amérique profonde. Comédies, westerns, films noirs : les frères Coen ont subverti les conventions du film de genre pour créer un néo cinéma ambitieux, nourri de clins d'œil rétro aux séries B, aux grandes productions hollywoodiennes, au polar, et à la peinture réaliste américaine... Julie Assouly nous invite à un voyage passionnant au cœur de cet univers, cernant au plus près la vision coenienne d'une Amérique conçue comme un territoire ou` se confondent toujours l'histoire, le folklore et la fable. Losers magnifiques, voyous déjantés, hystériques au grand cœur, tueurs psychopathes, profs dépressifs : dans cette comédie humaine ou la satire sociale le dispute à l'absurde et au tragique, les deux cinéastes racontent, film après film, les laissés pour compte du rêve américain et la perte d'innocence de la société´ contemporaine.
Ouvrage collectif et bilingue de neuf universitaires français et américains, La culture italo-américaine à l’écran/Italian American Culture on Screen, propose une réflexion qui réunit immigration italo-américaine et études audiovisuelles. L’exploration de la place et du rôle de cette culture permet d’envisager ses différentes représentations au cinéma et à la télévision. De l’analyse de figures stéréotypées – gangster ou flic italo-américains – à l’examen de l’immigration vue par le prisme de l’intime – dans le cas notamment de la gastronomie –, la recherche présentée ici s’étend du cas particulier (Quentin Tarantino qui revisite le genre du western spaghetti), à l’étude générale du devenir des stéréotypes dans les séries et films récents. L’entreprise collective dont rend compte cet ouvrage cherche à offrir une meilleure visibilité à ce domaine en proposant, pour la première fois en France, un recueil d’articles sur les aspects pluriels de la représentation de la culture italo-américaine à l’écran, si étroitement liée à l’histoire du cinéma hollywoodien.
Grâce à sa quête permanente de « choses qui enflamment [son] imagination », Jim Jarmusch occupe une place singulière dans le cinéma postmoderne américain et international. S’inspirant méticuleusement et avec enthousiasme de littérature, de philosophie, des arts visuels, de cartoons, de chansons et de musique, peintre des cultures et des paysages de l’ailleurs qui se veut à l’écoute des langues et accents du monde, Jarmusch cherche à « confondre et brouiller les éléments apparemment disparates » pour créer beauté et poésie. Depuis plus de trois décennies, un comique décalé, une narration contemplative, une structure épisodique, une intertextualité soulignée et des références transculturelles décrivent la condition humaine avec un désenchantement contenu et un ravissement distancié. Les 16 articles (rédigés en français et en anglais) qui composent Les variations Jarmusch réinterrogent l’éthique et l’esthétique de l’un des cinéastes les plus originaux d’Indiewood.
Le contrat, convention génératrice d’obligations entre personnes, traduit juridiquement des rapports – sociaux, économiques – et sa mise en œuvre est l’un des fondements de toute organisation sociale. La représentation de ce lien de droit dans le cinéma anglophone constitue le premier axe des études rassemblées dans ce volume. La relation contractuelle s’intègre dans l’intrigue, la narration scellant les rapports entre les personnages, dans tous les domaines et dans tous les genres cinématographiques. Mais, très vite, il apparaît que le rapport purement juridique laisse la place à d’autres relations contractuelles – plus intimes, parfois foncièrement illicites... – ou qu’il devienne prétexte à illustrer de plus vastes desseins. Le contrat est également perçu comme modèle de la relation qui s’instaurerait entre le prescripteur (l’auteur, voire l’acteur) et le destinataire (le spectateur) de l’œuvre cinématographique. Le contrat qu’on dit alors "spectatoriel" est, dans un second axe, l’objet de plusieurs des études réunies ici. Entre horizons d’attente, protocoles de lecture, jeux sur les habitudes du public, promesses de...
Géographes et sociologues s’accordent pour penser que la ville du XXe siècle a été faite par et pour les hommes. Si les études de genre permettent d’interroger les pratiques et les politiques de la ville aujourd’hui, que peut nous apprendre l’histoire sur la place, l’activité et les représentations des femmes dans les centres urbains ? En faisant converger différents regards (histoire sociale, économique, religieuse et culturelle, histoire du droit et des institutions, études littéraires), les analyses de ce volume contribuent à rendre visibles la présence et les actions des femmes, des plus humbles aux plus célèbres, et les mettent en perspective avec leurs représentations. Paris, en tant que centre urbain majeur et creuset privilégié des modèles sociaux et culturels français, apparaît comme un lieu à la fois exemplaire et singulier pour construire ce savoir. En parcourant les rues de la capitale, en entrant dans ses couvents comme dans ses prisons, en visitant ses salons et ses théâtres, ses lieux de promenade aussi bien que ses lieux de commerce, lectrices et lecteurs verront se dessiner des rapports de genre parfois inattendus, que subissent...
Cet ouvrage réunit une sélection de textes de chercheur(e)s, de praticien(ne)s de la scène, et d’artistes-chercheur(e)s ayant participé à deux colloques successivement consacrés aux dramaturgies – textuelles et scéniques – de la marionnette. Il s’agit, d’une part, de Corps vivant / corps marionnettique : enjeux d’une interaction, organisé par l’Université d’Artois ; et, d’autre part, d’Espace vivant / espace marionnettique : enjeux d’une interaction, ayant eu lieu à l’Université de Strasbourg. Le lecteur aura ainsi l’occasion de constater que, si la marionnette reste un moyen de dire le monde à partir d’un médium spécifique, elle représente aujourd’hui un secteur artistique très diversifié et en perpétuelle évolution, s’enrichissant non seulement de sa confrontation avec les corps vivants de manipulateurs ou d’acteurs, mais réinventant dans le même temps son espace de représentation.
L’ouvrage, qui rassemble dix contributions, interroge, autour des notions d’hybridité et d’hybridation, l’évolution du théâtre contemporain pour la jeunesse en articulant cette réflexion aux questions que pose sa promotion dans les classes et son ouverture à un public plus large. En effet, si, depuis une dizaine d’années, de nombreux travaux mettent en évidence l’intérêt et les qualités de ce répertoire, et si des incitations institutionnelles, telles les listes de référence, ont relayé ces travaux, sa place dans l’institution scolaire reste encore très marginale, ce corpus restant méconnu. Aussi les contributions des chercheurs, croisant des approches littéraires, esthétiques, dramaturgiques, didactiques, sémiologiques et une ouverture historique apportent-elles différents éclairages à cette problématique, et montrent-elles, dans le mouvement même d’hybridation qui travaille ce corpus, des ressources permettant d’en faciliter l’accès.
À un moment où la question du contact entre les cultures est appelée à prendre une place prépondérante dans nos sociétés, ce volume s’attache à définir les modalités du dialogue entre l’Ici et l’Ailleurs, en examinant le rôle joué par la traduction dans le transfert d’images en littérature. Les articles qui constituent ce volume s’attachent à analyser la façon dont la traduction contribue aux échanges transculturels ou, au contraire, les entrave. Comment s’établit la communication entre l’écrivain et le lecteur par le prisme de la traduction ? Quel reflet (déformant ?) la traduction produit-elle et comment s’effectue le dialogue interculturel engagé par ce processus ? Ces questions, et bien d’autres, sont examinées sous des angles variés, que ce soit sur le plan théorique, linguistique, stylistique ou encore philosophique, ou bien au niveau des aires géographiques et des langues étudiées (anglais, chinois, espagnol, français, italien, roumain, russe, vietnamien, etc.). Les thématiques qui traversent ce champ d’investigation sont multiples et croisées. Les études portent ainsi sur les dimensions proprement culturelles de l’image, ...
Selon Arthur Rimbaud, la mission du poète est de « trouver une langue ». La poésie est ainsi le laboratoire d’une langue. Mais se définit-elle contre le langage courant ou comme la révélation de ce langage ? « Trouver », est-ce hériter de ce qui s’est décanté dans la langue à travers les siècles ou inventer de l’inouï ? Et que fait la poésie à la langue nationale, locale, traduite, coloniale ou métissée dont elle se sert ? Comment cette langue poétique travaille-t-elle la langue de l’intérieur ?
Ouvrage de préparation aux concours de l'agrégation d'anglais
Cet ouvrage analyse la recrudescence, aux États-Unis, ces vingt dernières années, d'un cinéma focalisé sur la représentation de la frontière mexicano-américaine. Ce genre cinématographique en plein essor, en phase avec le discours actuel sur l'étanchéité des frontières et la délimitation des espaces nationaux, est sous-tendu par un discours critique sur l'expansionnisme étasunien.
Thèse de doctorat en études cinématographiques et audiovisuelles Université de Caen Basse Normandie Thèse dirigée par Vincent Amiel Ce travail de recherche étudie le style cinématographique néoclassique. Le terme néoclassique est souvent utilisé pour appuyer une politique des auteurs sur un style et un passé connu et reconnu (le classicisme). Toutefois les cinéastes néoclassiques ne cessent de remettre en question le cinéma classique hollywoodien, de le distancier. C’est pour cela que le cinéma néoclassique intègre d’autres formes cinématographiques comme le maniérisme, le baroque, la modernité, etc. qui ont émergé depuis le classicisme. Le style ne distancie pas seulement le squelette diégètique ou encore l’esthétique du cinéma classique, mais également certains de ses thèmes de prédilection comme le corps. Le corps est une entité considérée dans son ensemble, dans son unité sous le rapport de sa conformation. Le but de ma recherche sera d’englober les différents “corps” thématiques mis en place par le néoclassicisme au cinéma afin de les appréhender et de les comprendre dans leurs figures esthétiques. Car bien que le corps...
Relançant une approche phénoménologique de la perception ce livre propose une perspective nouvelle sur le rôle de l'écoute dans la réception d'un film.
Les essais réunis dans le recueil KinoFabula interrogent les images du cinéma dans leur rapport originel et sans cesse renouvelé avec la littérature sous toutes ses formes (fable, conte oral, poésie, théâtre ou roman) et analysent les différents types de relations et de circulation qui permettent le dialogue des œuvres : relations intergénériques (fable cinématographique, ciné-skaz, poème cinégraphique...) ; relations intermédiales entre les mots de la littérature et les images du cinéma qui en sont un commentaire a posteriori mais qui favorisent aussi, par un effet rétroactif, un retour sémantique sur les textes et nous renseignent sur le régime de leur interprétation ; relations temporelles qui imbriquent l’Histoire – le passé historique – dans les histoires – le présent de l’énonciation fictionnelle. Les œuvres qui entrent ainsi en dialogue sont considérées comme des espaces (textuels ou visuels) de transition, des objets à jamais imparfaits et inachevés mais qui aspirent à être chacun complétés de la même façon que, selon Walter Benjamin, une traduction viendrait compléter le texte dit « original » et en révéler le mode de...
Chacun va au cinéma, aujourd'hui, avec le sentiment de vivre une expérience partagée, mais en même temps intime et singulière. La réception filmique ne fut pourtant pas toujours envisagée ainsi. Durant la période « muette », en France, elle était considérée comme un phénomène ressortissant aux lois de la psychologie collective. Les films ne s'adressaient pas à des individus mais à la foule. La foule était au centre des préoccupations d'une époque que Gustave Le Bon a baptisé d'« ère des foules ». Sa Psychologie des foules est demeurée l'emblème de la psychologie sociale naissante. Pourtant, la vision négative des foules qui s'y dessine ne fut pas la seule manière de concevoir ce phénomène. La foule est aussi apparue comme l'expression d'une volonté de renouveau du communautarisme et du spiritualisme, au sein d'un monde moderne qui s'orientait vers l'individualisme et le matérialisme. C'est par rapport à ces débats que des critiques, cinéastes et théoriciens (Canudo, Gance, Delluc, Epstein, L'Herbier, Moussinac, Faure) envisagèrent d'octroyer au cinéma un rôle capital. Ils voulurent que ce spectacle populaire devienne l'art des foules. Ce...
Du dispositif clinique de Léonce Perret dans Les Mystères des Roches de Kador (1913) aux labyrinthes lynchiens d’Inland Empire (2006), de secrètes résonances relient des films que tout, de leur régime d’images à leur forme de récit ou à leur inscription culturelle, contribue à éloigner. Ils se nourrissent pourtant d’une même énergie créatrice en puisant, selon des modalités et un travail très différents, aux puissantes fantasmagories du rêve. On pourrait croire que l’essentiel a été dit, et bien dit, des liens rhétoriques et poétiques que le cinéma entretient avec l’onirisme et ses territoires mitoyens – fantasmes, hallucinations, images obsédantes, effets hypnotiques -, alors même que des approches nouvelles font retour aujourd’hui – notamment sur le freudisme – pour inventer et proposer des voies et des concepts inédits à la mesure d’un champ créatif et théorique en constante mutation. Autour du prisme du rêve, vu comme trompe-l’œil et simulacre ou comme expérience poétique et figurale, c’est donc l’horizon le plus avancé des études filmiques qui se dessine ici. L’entretien final de Marie Martin et Raymond Bellour...
Le goût comme objet philosophique ? Que l'Occident se soit refusé jusqu'à présent à accorder à ce sens réputé " primitif " un statut majeur semble être sans importance. Toutefois, il y a des raisons de penser que la nutrition est l'angle mort d'une culture rationaliste qui a manqué d'en apprécier à sa juste valeur la portée véritable. Contester aux saveurs de concourir à l'édification de la science, à la vérité ou l'art, n'est-ce pas s'interdire de concevoir d'autres manières de sentir, de saisir le réel et d'être au monde ? Traditionnellement, l'organe du goût répond à la nécessité de vivre, pure fonction biologique qui laisse entendre qu'une existence proprement humaine, louable et supérieure, morale et politique, doit se dresser contre ce corps vivant, avide et affamé, en repoussant la démesure gourmande et une consommation destructrice. Face à des normes et des concepts réfractaires à toute jouissance alimentaire, la philosophie du goût élabore un modèle singulier de sensibilité gustative qui ébranle autant les fondations de la métaphysique que les fondations des cultures occidentales.
Objet composite, situé aux marges du film et destiné à transmettre au spectateur une série d'informations concernant sa fabrication, le générique peut sembler ne présenter qu'un intérêt secondaire à qui se donne pour tâche d'étudier le fonctionnement du septième art. Pourtant, sa marginalité même, qui le délie des contraintes du récit et l'arrache en partie à l'emprise de la fiction, son caractère hybride, fondé sur la rencontre entre écrit et image, en font un lieu de production de formes singulières, susceptibles à leur tour de déterminer un mode singulier de circulation du sens. C'est ce régime plastique et sémantique spécifique qu'on s'est attaché ici à décrire, en faisant appel à la notion de « figure », qui renvoie, via l'usage qu'en font, respectivement, J.-F. Lyotard et G. Didi-Huberman, aux relations privilégiées nouées chez Freud entre l'image et la pensée inconsciente, en particulier dans la rhétorique du rêve. L'ambition de ce livre est donc double : il se propose à la fois de mettre en valeur l'inventivité propre au générique au sein de l'œuvre filmique, et d'évaluer dans ce cadre, à partir d'un travail précis de...
Howard Hawks (1896-1977) est l’un des plus importants réalisateurs du cinéma hollywoodien : tout spectateur a vu un jour au moins l’un de ses films (Scarface, Le Grand sommeil, Les Hommes préfèrent les blondes ou encore Rio Bravo). Cinéaste de référence de la « politique des auteurs » lancée par les Cahiers du cinéma dans les années cinquante, « redécouvert » alors par une critique américaine qui l’a longtemps mésestimé, on pouvait croire que le cinéma de Hawks avait livré tous ses secrets. Mais depuis le début des années quatre-vingt, mis à part des rééditions d’articles ou l’excellente biographie critique de Todd McCarthy, l’esthétique du cinéma a délaissé Hawks, peut-être trop marqué par des théories dont on est revenu. Pourtant, cette œuvre, par sa rigueur, reste aujourd’hui encore l’une des plus actuelles du cinéma classique, dont certains réalisateurs contemporains, comme Quentin Tarantino, John Carpenter ou Robert Zemeckis, ne cessent de faire l’éloge. Il faut donc réinterroger aussi bien le cinéma hawksien que les discours critiques qui ont contribué à en bâtir les modèles de réception depuis plus de cinquante...
Partout sur le web, les internautes sont incités à donner leur avis et à s’exprimer librement. Les opinions des consommateurs se sont-elles fait une place face au pouvoir des élites expertes ? Peut-on parler d’un empowerment ? Les auteurs ont mené une enquête fouillée sur un site qui héberge de très nombreuses critiques de films émanant de cinéphiles ou d’amateurs ordinaires et ils remettent en cause nombre d’idées reçues. On découvrira des critiques amateurs passionnés et prêts à en découdre avec les jugements des experts ; on verra combien ce monde d’auteurs, si hétérogène, s’avère hiérarchisé ; on comprendra que, de manière paradoxale, plus un amateur écrit, plus il reprend les normes de la critique professionnelle. L’enquête regarde aussi l’envers des pratiques amateurs : ceux-ci savent-ils en effet que leurs critiques sont bien moins influentes que les bandes-annonces des films et qu’elles intéressent fort peu les professionnels du site qui fondent leur modèle économique sur les notes et non sur les textes ? Cet ouvrage invite ainsi à reposer la question de la place de la créativité amateur dans le monde de l’internet.
Comment concevoir une anthropologie pleinement fondée sur l'emploi de l'image animée ? Telle est la question essentielle de l'ouvrage. L'auteur tente d'y répondre en explorant quelques fondements, principes et stratégies de cette nouvelle discipliné qu'est l'anthropologie filmique ; les conditions dans lesquelles elle arrache progressivement l'appréhension du sensible à l'emprise de l'écrit et de l'observation directe ; la manière dont elle dévoile des aspects de l'activité humaine que les méthodes classiques d'enquête rejetaient dans les coulisses.
« L’ai-je vu ou ne l’ai-je pas vu ? », telle était, selon Jacques Tourneur, la réaction qu’aurait dû engendrer le démon de Rendez-vous avec la peur (1957), si seulement le film avait pu échapper aux velléités bassement commerciales de son producteur. À partir de semblables déclarations et d’analyses souvent justes mais toujours incomplètes, les critiques comme les universitaires ont réduit l’esthétique du cinéaste à un art de la suggestion, à une expérience herméneutique. Pourtant, sa démarche cherche aussi à impliquer physiquement le spectateur dans la fiction, grâce à diverses stratégies énonciatives, tant sonores que visuelles, qui visent toutes à le mettre directement en danger. Le présent ouvrage se propose d’étudier les « figures » de la peur, expression prise dans une pluralité de sens, formels et thématiques. Pour Tourneur, la peur façonne à chaque instant tout être humain, ce qui explique l’omniprésence de ce sentiment dans son œuvre, même en dehors des genres ou cycles - le fantastique et le film noir - où il se manifeste par essence. Dans un jeu de miroirs complexe, les personnages principaux et leurs opposants...
Les journaux télévisés rythment notre vie quotidienne et construisent une part de notre réalité sociale. Contrairement à ce que l’on pense souvent, les médias ne sont pas source d’uniformité : les différents journaux télévisés nous parlent chacun à leur manière en nous esquissant des mondes distincts. À partir de l’exemple concret du thème de l’environnement, l’auteur illustre la diversité des journaux et réfléchit à la place qu’ils occupent dans l’espace public. Suzanne de Cheveigné démonte les scénographies, les images et les contenus de ces informations qui, au premier abord, peuvent sembler interchangeables d’une chaîne à une autre. Sa démarche comparatiste, qu’elle pourrait avoir emprunté à l’anthropologie, lui permet d’entrer dans le détail même des rhétoriques des « JT », sans pour autant perdre de vue les différents publics présents à ces rendez-vous télévisuels quotidiens. En dépassant le simple questionnement sur les « effets » des médias, ses conclusions nous conduisent à nous interroger sur la construction d’un objet de culture, le journal télévisé, et sur son rôle dans la vie collective.
Le style baroque, défini dans un premier temps par Aloïs Riegl et Heinrich Wölfflin à partir de l'art du 17e siècle, est devenu un concept qui s'est élargi au-delà de ses frontières initiales, si bien que l'on a pu l'appliquer, par exemple, au cinéma, art du 20e siècle. En effet, parce qu'il est un dispositif de projection d'ombres, d'artifices, d'illusions, de mise en mouvement des images, le cinéma semble correspondre au désir profond du baroque de dépasser la représentation réaliste du monde pour accéder à la dimension de l'imaginaire. Mais cette utilisation du concept de baroque au cinéma ne va pas de soi, et tout l'enjeu de ce livre, qui vient après des tentatives éparses et parfois contradictoires, est d'offrir une présentation synthétique d'un cinéma baroque qui est envisagé sous l'angle de sa métaphysique illusionniste et de sa physique de l'infiniment divers. Il s'agit donc de proposer une théorie du cinéma au regard du baroque, à partir d'analyses d'œuvres de cinéastes qui se sont dits influencés par ce style, comme Raoul Ruiz, Peter Greenaway ou Emir Kusturica. C'est aussi l'occasion de relire les films de réalisateurs reconnus, comme...
Arriver au cinéma en retard, la séance commencée, la noirceur déjà totale, les images déjà déchainées sur l'écran, et juste des apparitions (des formes, des corps, des mouvements, des visages, des sons) qui attirent l'attention... Les films enchaînent une relation sensorielle avec les spectateurs faite de petites agressions, de fragments spectaculaires. Si le cinéma narratif relègue en général le spectateur à une position sécurisante d'observateur-voyeur, au contraire, le cinéma des attractions interpelle directement le spectateur, destinataire privilégié du plaisir du spectacle, stimulant ses sens et ses émotions. Le cinéma est une machine à voir. Dès sa naissance il a généré une nouvelle manière stupéfiante de voir : c'est ainsi que les premiers théoriciens du cinéma ont commencé à en parler. Dans ce livre, des moments de la théorie classique (le montage des attractions chez Eisenstein) se trouveront côte à côte avec des exemples d'images contemporaines. Ainsi, au fil des pages, nous traiterons du concept d'attraction, d'un cinéma où fiction et documentaire se croisent (les films de Werner Herzog), de l'univers du numérique où les images...
Partant de ces questions, l’ouvrage Narration et jeu vidéo. Pour une exploration des univers fictionnels propose un modèle explicatif fondé sur la notion riche d’univers fictionnel. Sur cette base, il propose de penser la narration vidéoludique hors des cadres traditionnels et de la concevoir comme un dispositif non figé, ouvert à l’infinité d’actualisations possibles que représente chaque partie jouée. Alternant réflexion théorique et analyses de cas, ce livre se destine tant au chercheur qu’au game designer ou au joueur désireux de réfléchir sur sa pratique. Ce livre a été lauréat du prix BiLA en 2012 (Bibliothèque des Littératures d’Aventures).
Les auto/biographies de personnages historiques offrent une approche personnalisée des événements et soulignent les valeurs incarnées par des individus charismatiques à des moments clés du passé. Au cinéma ou sur la scène de théâtre, les biographies historiques s'affichent comme des reconstructions qui traduisent l'empreinte de la mémoire, des sentiments et des ressentiments, sur le récit de l'Histoire. Cet ouvrage contribue au débat sur l'autobiographie, récit qu'une personne réelle fait rétrospectivement de sa propre vie, et sur la biographie, récit fait par un auteur sur une personne réelle. Ainsi, à travers une approche comparative entre les arts (cinéma, théâtre, littérature, arts visuels) et les cultures (française, anglophone, germanique, hispanique), cet ouvrage interroge sous un angle original le mythe des Grands Hommes.
Cet ouvrage aborde la question de la caricature, longtemps tenue pour un art mineur, à partir d’approches qui en ont renouvelé l’étude. Il réunit des contributions d’historiens de l’art et de littéraires venus d’horizons divers, depuis Montréal et New York jusqu’à Vienne, en passant par Dijon, Strasbourg et Paris. Il s’efforce d’en apprécier autant la portée expérimentale et novatrice, tout à la fois pratique et théorique, que l’engagement politique, social et polémique, et les implications esthétiques. Cet art moderne et graphique qui a recours au rire comme à une arme procède d’une anthropologie de l’image associée à l’histoire du corps et des émotions. L’essor de la caricature s’effectue à la jonction du croquis et du dessin de presse en Angleterre à la fin du xviiie siècle, puis en France sous la Monarchie de Juillet, avant de s’internationaliser à la fin du xixe siècle et de se poursuivre jusqu’à nos jours comme une expression dynamique et gestuelle, celle du trait. La caricature est ici abordée comme un langage en métamorphose, dont les usages sont analysés à partir d’études de cas, qui en abordent les genres,...
On s'interroge ici sur l'évolution des limites du champ dit « cinématographique et audiovisuel » au regard des mutations technologiques et du foisonnement contemporain des lieux de création et de diffusion des films. Trois questions principales sont abordées : la place du cinéma dans la diversité actuelle des spectacles d'images ; son avenir alors qu'il n'est plus besoin d'aller s'asseoir devant un grand écran dans la pénombre d'une salle pour voir des films ; les formes principales de mise en spectacle d'images reproductibles qui émergent aujourd'hui. Cette réflexion, inscrite en son fond dans la perspective générale de l'histoire des arts de l'image reproductible (première partie), évoque des tendances esthétiques contemporaines notables : transformation radicale du lien entre le cinéma et le musée (deuxième partie), capacité du cinéma à actualiser en permanence les formes et les idées passées (troisième partie), tendance métafilmique lourde et ses variantes fort nombreuses (quatrième partie), montée en puissance des écrans comme plan de travail et des installations filmiques (cinquième et sixième parties). La grande idée qui parcourt tous les...
La France d'Ancien Régime était celle de la « gaieté » et de l'« esprit ». Avec la Révolution, commence le temps du rire moderne : d'un rire franc, dévastateur, protéiforme, et faisant flèche de tout bois ( de l'ironie, de la parodie, de la satire, mais aussi des brindille du calembour ou de la bague). Ce rire naît des convulsions de la Révolution. Il sape l'autorité triste des rois de la Restauration. Il triomphe dans le Paris louis-philippard, pour le plus grand plaisir du Bourgeois qui ne se lasse jamais de sa propre caricature. Il constitue le plaisir ordinaire d'une bohème entrée en dissidence contre toutes le formes de sérieux. Il trouve sa consécration sous la Troisième République, avec le Chat noir et ses avatars fin du siècle. Phénomène de société, le rire moderne est au coeur des inventions esthétiques du xixe siècle. Il inspire les journalistes, les poètes, les artistes et le monde de la scène. Il envahit les formes mineures de création culturelle aussi bien que les grandes oeuvres du canon. En voici le premier panorama raissoné, issu du travail collectif de vingt-huit spécialistes, historiens de la littérature, des arts ou de la culture.
Dans un premier temps, un voyage opéré dans la géographie cinématographique du spectateur-Claude Simon permet de mettre en évidence un auteur imprégné de cinéma, un véritable « enfant de cinéma ». Nous suivons la trace des multiples allusions aux techniques qui participent des débuts du cinéma, repérons la marque du cinéma burlesque et du cinéma surréaliste, la place de la Star et de la mythologie hollywoodienne, ainsi que la présence d'un autre versant du cinéma, celui de la pornographie. Toujours dans le cadre d'une typologie du cinéma, les goûts de Claude Simon en matière de Western sont révélés par une lecture attentive des romans. Dans un second temps, l'étude de l'adaptation cinématographique de La Route des Flandres, marquée à la fois par l'enthousiasme et la déception, éclaire les relations ambiguës qu'entretient Claude Simon avec cet art et met en exergue ses choix concrets en matière de cinéma. La description et l'analyse minutieuse du découpage de La Route des Flandres et des dessins de Claude Simon, que l'on peut qualifier de « Story board », permettent de mettre en relief un projet cinématographique très avancé, dans lequel...
D’Indochine à Potiche, cet ouvrage explore l’évolution de la carrière et de l’image de Catherine Deneuve à travers la figure poétique et symbolique de la maison. Sur la base des star studies et des gender studies, Catherine Deneuve femme maison analyse les moyens par lesquels la célèbre actrice a su réinventer son image pour affronter le passage du temps et s’imposer, à plus de cinquante ans, comme reine incontestée du cinéma français. L’ouvrage entend participer aux recherches sur le devenir des stars mais aussi à une interrogation philosophique sur les rapports entre les hommes et les femmes dans le plus privé des « deux gouvernements », celui de la famille et de l’espace domestique.
Les vingt-trois essais rassemblés dans cet ouvrage examinent les discours sur l'"art social", leurs origines idéologiques, leurs tensions, ainsi que l'histoire de la notion et le rôle qu'elle a pu jouer dans les pratiques artistiques. Le désir d'intégrer les arts à une transformation radicale des rapports sociaux et économiques inspire les théoriciens politiques, les philosophes et les artistes (en fait, ceux-là bien plus que ceux-ci) depuis l'époque des jacobins jusqu'à celle des anarchistes. Une telle conception devient plus complexe sous la Troisième république où de nouvelles voix, souvent attachées au maintien des hiérarchies existantes, plaident pour une nouvelle version de l'"art social" plus à même de prendre place dans la politique artistique de l'Etat. Eminemment polysémique et mouvante, l'idée d'art social pose la question de la fonction de l'art dans une société post-révolutionnaire, industrielle et marchande, et interroge l'autonomie et l'originalité supposées de l'art. Elle a pesé d'un poids déterminant dans l'abolition des hiérarchies, l'extension du concept d'art et du développement de l'éducation populaire, dans des domaines aussi...
Retracer l'histoire des relations cinématographiques entre la France et la RDA de l’immédiat après-guerre jusqu’au lendemain de la chute du Mur de Berlin à partir d’un croisement inédit de sources met à jour la circulation de films et de professionnel.le.s qui façonnèrent les cinématographies des deux pays. Ces échanges s’initièrent à travers le...
Si les textes sur la diplomatie culturelle sont assez conséquents, très peu concernent la production et la diffusion des films. Les activités sur la promotion et diffusion du cinéma par les établissements culturels français sont également quasiment absentes de nombreuses études consacrées à l'histoire du cinéma. Cet ouvrage comble cette lacune ...
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