The present volume analyses the reception of the French "Theatre of the Absurd" in West Germany from the 1950s on, as this groundbreaking dramatic écriture gained national and international recognition. Based on previously unpublished archives, this synthesis work sheds a new light on drama history and French-German cultural relations from 1949 to 1989.
Au croisement de l’histoire de la décentralisation théâtrale, du brechtisme, du militantisme politique et culturel, et de l’éducation populaire, émerge la figure d’un auteur et d’un intellectuel singulier, Arthur Adamov, arménien du Caucase arrivé en France dans les années 1920. Adamov est une personnalité ambivalente, provocante et scandaleuse du théâtre contemporain, autour de laquelle gravite une « nébuleuse » d’acteurs du théâtre politique des années 1950-1960. Dans une perspective d’histoire culturelle et sociale, l’autrice met au jour dans cette étude les circulations liées à la décentralisation théâtrale, celles des acteurs, des nouvelles scènes de banlieue et des réseaux militants, pour la plupart communistes. Ce livre propose ainsi une géographie du théâtre engagé, en France et en Europe, après la Seconde Guerre mondiale. Il vient également enrichir l’histoire des intellectuel·le·s par celle de la politisation d’Adamov, lui qui fut le compagnon de route du Parti communiste au temps de la guerre froide, de la guerre d’Algérie et des guerres coloniales et dont l’engagement est lié à l’itinéraire d’une autre...
Prix Nobel de littérature en 1997 pour avoir, « dans la tradition des jongleurs médiévaux », rendu « leur dignité aux opprimés » en tournant « le pouvoir en dérision », Dario Fo et son épouse Franca ; Rame ont non seulement rempli leur fonction d’intellectuels par des spectacles offrant satiriquement un miroir déformant de notre société, mais, maniant le monologue avec virtuosité, ils ont été les initiateurs du « théâtre de narration » qui a fait des émules dans toute l’Europe. Des textes comme Mystère bouffe, Mort accidentelle d’un anarchiste, Faut pas payer !, Histoire du tigre, ou les Récits de femmes ont fait le tour du monde. Un ouvrage traçant un itinéraire à l’intérieur de ce parcours hors du commun manquait encore en France. Celui-ci s’articule en trois parties. La première brosse le panorama d’une carrière picaresque ; les deux suivantes sont axées sur les contenus de ce théâtre et sur les techniques spécifiques par lesquelles le message est délivré.
Le rapport de Diderot au temps est profondément original : à bien des égards il déconcerte une approche classique de son œuvre ; à bien d’autres, il nous fait entrer d’emblée dans la profonde modernité de sa pensée et de ses pratiques d’écriture. C’est d’abord parce que le temps diderotien n’est ni seulement, ni même proprement narratologique. Diderot réfléchit au temps long, se confronte à l’atemporalité pure de l’éternité théologique, s’engage dans le débat sur la postérité, médite sur les ruines, imagine la création et l’évolution des espèces. Il aime à s’installer dans la pluralité des temporalités : celle de l’ennui et celle du songe, celle de la conversation et celle de l’expérience, celle de l’imagination et celle de la poésie, celle de la peinture et celle du spectacle. Rarement chez Diderot le temps est donné de l’extérieur. Il est plutôt saisi dans le jeu entre action et réaction, et se mesure, s’appréhende alors, non sans interférences, en termes de passion, de caractère, de physiologie, de chimie, mais aussi de hiéroglyphe poétique. Dans le temps de la réaction, un report se fait : report de...
Difficile de définir la notion de littérature migrante. Sous l’angle de la traduction, la catégorie devient pourtant plus identifiable. Les littératures migrantes ont pour principale caractéristique de produire une vaste translation culturelle d’un champ à l’autre, soit que l’écrivain ait adopté la langue du pays d’accueil et opère lui-même le processus de transfert, soit qu’il écrive encore dans sa langue d’écriture première et que ce travail appartienne au traducteur. Comment dès lors, écrivain ou traducteur, traduisent-ils à destination d’un lectorat qui les ignore ou ne les reconnaîtra pas des références culturelles, des accents ou autres distorsions phonétiques, voire des éléments relevant de codes minorisés ? Si l’écrivain allophone peut avoir recours à des pratiques translinguistiques massives dans son texte, le traducteur dispose-t-il, dans sa pratique, d’une même liberté ? Ce sont là quelques-unes des interrogations auxquelles le volume se propose de répondre.
Depuis Cicéron, les théories de la traduction considèrent qu’il existe deux façons de traduire un texte littéraire. Ou bien le traducteur reste inconditionnellement fidèle à la langue de l’original, ou bien il se conduit comme un auteur et traduit selon les habitudes de la langue d’accueil. Pris dans cette dualité qui a nourri la réflexion des théoriciens de la traduction à travers les siècles, le traducteur s’est toujours vu devant un choix « bifide ». S’il se rapproche de l’autre, donc de la source, il s’éloigne des canons de la littérature d’accueil ; s’il se soumet à celle-ci, la cible, il escamote les particularités de l’original.
Elizabeth Craven née Berkeley, issue de la noblesse anglaise, partit vers l’Orient en 1785. Elle publia l’année suivante sa correspondance de voyage, adressée à Charles-Alexandre, Margrave de Brandebourg-Anspach-Bayreuth, qu’elle épousa par la suite. Cet itinéraire, qui lui permit de découvrir l’Empire ottoman et la Grèce mais aussi l’Europe de l’Est, fut entrepris pour diverses raisons, dont le désir de découvrir l’inconnu : « Je vais aller voir des cours et des gens que peu de femmes ont vus », écrivit-elle de Bologne, le 15 novembre 1785. Le contact avec des civilisations et populations étrangères ne se fit pas toujours sans surprises : les lettres de Lady Craven expriment parfois de l’admiration mais aussi des préjugés et, assez fréquemment, du mépris à l’égard des pays visités. Ces lettres témoignent néanmoins de la très grande indépendance de Lady Craven relativement à son époque, en dépit des dispositions légales et idéologiques qui maintenaient les femmes dans un état de subordination. Ce voyage, et la correspondance qu’il a générée, revêt à cet égard une dimension transgressive politique.
On peut rapporter les nombreuses définitions du style à deux orientations majeures : l’une considère qu’il y a style dès qu’il y a caractéristique, l’autre identifie le style au produit d’un certain artisanat qui cherche à perfectionner le langage et à le manier avec distinction. Dans la première perspective, chacun aurait, à son insu même, « naturellement », un style ; dans la seconde, il n’y aurait de style que cultivé et voulu. Le présent ouvrage ne cherche pas à départager ces deux conceptions extrêmes, mais plutôt à remettre sur le métier la célèbre maxime de Buffon autour de laquelle toutes les pensées du style n’ont cessé de rôder, depuis qu’elle a été prononcée : « Le style est l’homme même. » Il le fait en choisissant de privilégier notamment une vieille notion rhétorique, l’ethos, cadre conceptuel à l’intérieur duquel il faut tenter de comprendre l’état de fait suivant : les textes sont écrits par des individus qui cherchent à convaincre, influencer, séduire, impressionner, etc. d’autres individus. Néanmoins, contrairement à la situation d’interlocution, ce ne sont pas des individus auxquels nous avons...
Ce volume explore la relation que la littérature a créée avec l’Histoire dans les romans hispanique, italien et portugais de la postmodernité. Le thème abordé par l’étude conjointe des notions de littérature, d’Histoire et de Postmodernité a permis de faire discuter les chercheurs sur des points importants liés à la critique littéraire. Les contributions de ce livre décèlent une nouvelle tendance forte de la littérature contemporaine des pays de langue romane qui consiste à utiliser des documents d’archives dans le but de faire de la mémoire la matière première de l’inspiration. Elles permettent également de constater que la notion de postmodernisme est appliquée de façon différente selon les aires géographiques, avec des acceptions normatives plus restreintes dans l’aire italophone et plus ouvertes dans l’aire lusophone. Malgré ces différences, on constate que les mêmes tendances littéraires se sont manifestées partout avec une extraordinaire coïncidence chronologique, depuis le milieu des années 1970 à nos jours.
On sait l’importance qu’eurent l’information et son complément, la désinformation, au cours de la « malheureuse Guerre d’Espagne », comme la qualifia Napoléon à Sainte-Hélène. Mais on n’a jusqu’à présent guère porté attention au fait qu’elles furent bien souvent véhiculées par un genre littéraire qui connaissait alors les faveurs du public à un point que l’on a bien du mal à imaginer aujourd’hui : la poésie. Cet ouvrage collectif, fruit d'une collaboration entre deux équipes de recherche: celle travaillant sur L'information dans l'Europe méridionale, du siècle des Lumières au temps présent au sein de l'UMR 7303 Telemme (Aix Marseille Université - CNRS) et Otras Lenguas, Otras Armas OLE'11 (I+D+i FFI2011-23532, Universidad de Oviedo), vient combler cette lacune. La « poésie d'information » au temps de la Guerre d'Espagne (1808-1814) - appelée très tôt Guerre d’Indépendance par les Espagnols, Guerre Péninsulaire par les Anglais et leurs alliés portugais - y est appréhendée sous le double regard des historiens et des littéraires et sur un espace géographique qui ne se limite pas à l'Espagne ou mais s'ouvre sur le restant des...
Jerome Charyn est l’auteur d’une œuvre protéiforme à la fois profondément expérimentale et résolument populaire : en une cinquantaine de volumes comprenant nouvelles, romans, ouvrages consacrés à la culture américaine et à New York, bandes dessinées et écrits biographiques et autobiographiques, Charyn a composé l’une des partitions les plus vivantes et les plus audacieuses de la littérature américaine contemporaine. Cette étude, qui se fonde tant sur l’œuvre que sur ses paratextes, met au jour la veine profondément autofictionnelle qui traverse son écriture : depuis son enfance chaotique dans un quartier juif du Bronx pendant les années 1940 et 1950, Charyn n’a eu de cesse de réinventer la vie brisée de ses parents, immigrés d’Europe centrale restés en marge du rêve américain, et de retracer son enfance illuminée par la présence de son frère aîné, qui inspira toute une partie de son œuvre, en choisissant une écriture résolument mythologisante.
Ces Mélanges en hommage au Professeur Pierre Ronzeaud sont non seulement un recueil d’études offert en remerciement pour son apport scientifique à la critique, à l’édition et à la connaissance, mais aussi un liber amicorum honoré de la signature de trente et un confrères et amis, spécialistes internationaux des littératures de l’époque moderne. Les principaux centres d’intérêts de P. Ronzeaud - utopies, mémoires, pamphlets, littérature et représentations sociales, rapports entre texte et imaginaire, les genres du libertinage (Sorel, Théophile de Viau), écriture morale et politique (La Bruyère, Fénelon), théâtre et idées (Corneille, Racine, Molière) - trouvent ici de nouveaux passeurs, s’associant au rayonnement de ses travaux sur la littérature, l’histoire et la politique, la fiction et la fictionnalisation, l’utopie, l’élucidation des sources, l’éclairage des textes, le dévoilement des fausses convictions, le libertinage, dans une perspective élargie sur les marges du XVIIe siècle auxquelles le titre de ce livre veut faire écho.
Du roman au théâtre : avec le temps, les écrits de Jean Genet deviennent de plus en plus théâtraux, les dialogues, presque totalement absents dans son premier roman, prennent de la vigueur au point de réduire la narration aux didascalies. Il réécrit sans cesse ses textes. Mais Genet devient un « poète de la scène » plus qu’un simple dramaturge, il fait voler en éclats la scène traditionnelle et, à travers une utilisation particulière du langage, son théâtre devient une machine de guerre contre le théâtre institutionnel. Ce poète est également un engagé éthique, prenant parti pour la cause palestinienne. Toujours sous le contrôle de son créateur, cette œuvre en perpétuel remaniement, tout à la fois autobiographique et politique, interpelle au plus intime d’eux-mêmes lecteurs et spectateurs par la force subversive que, dans ses éclats lyriques, elle met en jeu.
« Et ceux qui l’auront vu passer diront : qui fut cet homme et quelle, sa demeure ? » Significativement posée au terme de l’ambitieux parcours proposé par les Œuvres complètes, la question consacre la politique du mystère menée par un auteur qui a inlassablement multiplié les écrans entre son être social, le diplomate Alexis Leger, et son double littéraire, le hiératique Saint-John Perse, lauréat du Prix Nobel de littérature en 1960. Bien plus qu’un simple nom de plume, cette signature auctoriale inaugure un système figuratif complexe, une galerie de personnages qu’il s’agit ici, au plus près d’un texte souvent présumé hermétique, de mettre en lumière. De l’Enfant à l’Amant, de l’Exilé au Prince, du Songeur au Conquérant, les masques du poète disent une présence au monde singulière, sensible, transgressive et d’une exigence rare. Acte de naissance d’un mythe, celui de « l’homme au masque d’or », ils lui offrent une condition d’existence ; une voix, un corps, des gestes, une éthique. Le masque ici ne travestit plus le faussaire, ne trahit plus le mystificateur, autant de malentendus dont ne s’est pas toujours exemptée la...
La notion de didascalies est au cœur même de l’esthétique théâtrale. Elle pose la question qui touche à l’essence du théâtre, celle du rapport auteur/metteur en scène, acteur/spectateurs, lecteurs. Qui parle dans les didascalies et à qui ? Quasi inexistantes dans le théâtre renaissant et dans le théâtre classique, elles abondent dans le théâtre aujourd’hui au point de constituer aux côtés du dialogue un texte à part entière comme le montre l’ensemble des articles rassemblés dans ce recueil. C’est là une des grandes caractéristiques du théâtre depuis le début du XXe siècle. Est-ce que l’hypertrophie de ce discours didascalique est venue transformer la nature même du texte de théâtre ? Telle est la question à laquelle ce volume collectif tente de répondre afin de cerner la spécificité de l’écriture dramatique aux XXe et XXIe siècles.
Cet ouvrage offre une perspective nouvelle aux études sur la littérature des voyages dont la vaste matière iconographique reste à ce jour relativement peu exploitée. Il propose une réflexion théorique et analytique inédite sur la place et le rôle de l’image dans le vaste ensemble de la littérature des voyages, en regroupant les contributions de littéraires, de géographes, d’historiens de l’art, d’historiens du livre et en travaillant la notion d’imaginaire, via l’étude d’images concrètes, de supports iconographiques divers, tous liés à l’écriture du voyage. Il couvre la période de la fin du Moyen Âge au XIXe siècle, c’est-à-dire des origines iconographiques arabes à la naissance de la photographie, ainsi qu’une aire géographique maritime vaste, de la Méditerranée aux Océans oriental et occidental.
L’œuvre de l’auteur sicilien Federico De Roberto (1861-1927), très difficile à classer selon les critères littéraires les plus courants, apparaît des plus révélatrices des tensions idéologiques, culturelles et littéraires qui ont caractérisé l’Italie unifiée dans la deuxième moitié du XIXe siècle. Grâce à une approche socio-historique, cet ouvrage se propose d’expliquer la complexité de l’écriture derobertienne. Croisant analyse des textes et données du contexte, il explicite les rapports entre écriture, biographie de l’auteur et valeurs sociales, idéologiques et littéraires. Cette démarche permet de mieux appréhender l’ambivalence du rapport de l’auteur aux évolutions historiques de son époque, à la fonction de l’écrivain et à l’identité de genre. Les conflits de valeurs, les déceptions et les incohérences de la vie et de l’histoire sont à l’origine d’un malaise qui ne peut être apaisé et doté de signification qu’à travers la formalisation littéraire. L’acte d’écriture permet ainsi à l’auteur de transformer des souffrances individuelles et historiquement datées en un objet d’art, épuré et ordonné,...
L’envers du rêve, est-ce la réalité, ou est-ce l’envers que crée le rêve ? On peut hésiter sur ce qu’a voulu dire l’auteur de ce livre sur Antonio Tabucchi, par ce titre aux deux sens jumeaux. Les deux sans doute, puisque Tabucchi saupoudre du rêve partout, mais dénonce aussi très crûment le réel, ses menaces, ses hantises. Un auteur onirique et pourtant engagé, qui nous est ici présenté à travers plusieurs démarches : une traversée des principales œuvres narratives qui ont marqué sa carrière d’écrivain ; une déambulation à travers ses principaux thèmes et quelques-uns de ses plus beaux textes ; une série d’essais conçus comme des tentatives recommencées d’approcher un écrivain qui fascine et se dérobe. Ce livre nous emmène, d’une analyse à l’autre, vers le Rêve d’Antonio Tabucchi qui nous est proposé en guise de conclusion, à la manière de ses Rêves de rêves : plutôt que figer un auteur volatil, le rêver, le faire rêver.
Cette monographie fait découvrir Charles Dickens sous un autre visage, moins connu que celui de romancier, celui d’écrivain-voyageur. Dickens publia en effet au cours de sa vie trois récits de voyage (American Notes, Pictures from Italy et Le Lazy Tour of Two Idle Apprentices écrit en collaboration avec Wilkie Collins) ainsi qu’un volume d’articles viatiques (The Uncommercial Traveller). Ces textes méritent d’être découverts car ils ont pour particularité de combiner non seulement des caractéristiques propres à toute écriture de voyage mais aussi des traces d’écriture plus romanesque et théâtrale, ainsi qu’une dimension journalistique - Dickens étant également un journaliste accompli. C’est cette traversée des genres, alliée à l’utilisation d’une multitude de supports médiatiques, ainsi qu’à une approche originale du temps et de l’espace, qui rend ces écrits de voyage si singuliers et si passionnants. Cette écriture de voyage est analysée à partir de perspectives critiques comme la géographie culturelle, la géographie sensible et subjective, la géocritique, la géophilosophie, les études sur la mobilité, ainsi que la poétique du ...
Le mythe est à la charnière des deux activités de poète et de philosophe de Giacomo Leopardi. Sa quête de sens voit l’échec de la rationalité : elle bute sur la contradiction, celle de la Nature qui crée pour détruire, celle du tragique de l’homme qui désire le bonheur et, constitutivement, ne peut l’atteindre. Achoppant sur l’absurde, Leopardi a comme besoin d’une autre forme de pensée, celle du mythe. Ce dernier lui permet tour à tour de retrouver un temps révolu, de parler par images, mais aussi de jouer de sa culture et de saper les idées reçues. Toutes les nuances du mythe sont alors concernées : nostos vers le mythe antique, réécriture apocryphe ou non, invocation ou parodie de figures mythologiques tutélaires, imprégnation de schèmes mythiques reconnaissables seulement en transparence, satire des mythes contemporains émergents - mais aussi création d’une mythographie proprement léopardienne. Car Leopardi, pourfendeur de mythes, produit des figures qui deviendront des mythes littéraires... L’ambition du volume serait de comprendre l’articulation de ces différentes présences du muthos chez un auteur lui-même mythique.
« La poésie n’invente pas un autre monde mais transforme le rapport qu’on a avec celui-ci », affirme Henri Meschonnic en soulignant à quel point le langage poétique - qu’il soit en vers ou en prose - permet d’exprimer notre condition entre un ici et un Ailleurs, entre moi et l’Autre. Un parcours critique et stylistique de la poésie romane méridionale propose dans cet ouvrage une vingtaine de contributions scientifiques pour définir comment le langage poétique, au fil du temps, a contribué à créer l’Ailleurs et ses images. Découverte et voyage, dialectique entre le proche et le lointain, étrangeté du langage, aventures linguistiques, poétiques totalisantes fondées sur l’Ailleurs, conscience de l’invisible ou du différent : telles sont les principales approches proposées par les études réunies qui couvrent les domaines de la littérature ibérique en castillan, en catalan et en portugais, de la littérature italienne en italien et en dialecte, de la littérature d’Amérique centrale et de deux aspects de la poésie française (la poésie de ‘l’amour de loin’ et la reprise de traditions romanes par Aragon). Les auteurs de l’ouvrage ont...
Le Pen Pinter Prize a été remis en 2015 à James Fenton, après Carol Ann Duffy en 2012, Tom Stoppard en 2013 et Salman Rushdie en 2014. Voici le début de l’hommage de Julian Barnes prononcé à cette occasion : « Un poète, librettiste, traducteur, essayiste, journaliste, un poète, correspondant de guerre, chroniqueur politique, correspondant à l’étranger, un poète, voyageur, expatrié, théoricien du “Journalisme crépusculaire” (pour lequel les informateurs sont plus fiables à la nuit tombée), critique d’art et de théâtre, professeur de poésie à Oxford, historien de l’Académie Royale, expert en jardins, un poète, un ami de près de quarante ans - ouf, jusqu’ici pas romancier - mais un poète, un poète, un poète... » En 1978 Nelson Goodman, reformulant la question de la nature de l’art, se demandait : « Quand est l’art ? » L’oeuvre poétique de James Fenton semble poser la question « quand est la poésie ? » : entre témoignage et esthétisme, cette poésie se confronte aux réalités politiques et sociétales de la deuxième moitié du xxe siècle. Elle retrace les bouleversements historiques et les conflits intimes, les doutes et les...
Malgré les appels de plus en plus pressants à un réarmement républicain de l’école française, l’enseignement de la littérature reste coupé de la vie, qu’on entende cette dernière à l’échelle de la personne ou à l’échelle du politique. Le présent volume tente de combler cette lacune en commençant à montrer pourquoi l’esprit républicain est justement la pierre de touche la plus pertinente dont nous disposions sur le marché des philosophies politiques depuis la chute du mur de Berlin et sous la mondialisation ultralibérale. La République a des principes, dont les meilleures formulations, dans un sens social, seront recherchées chez Pierre Leroux et chez Marcel Mauss. Elle a aussi une histoire qui appelle à un retour à la diachronie. Contre un classicisme fixiste, Gustave Lanson avait déjà, il y a plus d’un siècle, fondé l’histoire littéraire. Bruno Viard propose d’élargir plus encore l’approche des textes en y faisant entrer une politique et une sociologie elles-mêmes fondées en psychologie. Mais quelle politique ? Mais quelle sociologie ? Mais quelle psychologie ? La méthode mise au point par l’auteur à partir de l’esprit...
Depuis la fin de la dictature franquiste, le phénomène des résurgences d’Antigone sur la scène espagnole contemporaine a été passé sous silence pour des raisons politiques. Or, la figure a hanté le théâtre espagnol, depuis l’exil ou la clandestinité, en réponse au traumatisme de la division nationale, suscitée par la guerre et cristallisée par le franquisme. Le parcours de résistance de l’héroïne est devenu en Espagne l’emblème de la « juste mémoire » définie par Paul Ricœur. Cet ouvrage démontre que les Antigones espagnoles constituent bel et bien un ensemble qui relève d’une dynamique commune de relecture de l’Histoire. Antigone hippie, écologiste, traîtresse, révolutionnaire ou nationaliste, la figure a accueilli toutes les révoltes, prêté sa voix à toutes les luttes. Une telle capacité à être réinventée a débouché sur la création d’un mythe national, pour incarner les frères ennemis de l’héroïne, aptes à représenter les deux camps opposés de la guerre puis les « deux Espagnes ». Pour la première fois, sont mises en dialogue les versions catalanes, galiciennes et castillanes de la tragédie. La comparaison d’une ...
Au tournant du XXe siècle, l’Indochine est dotée par la France de trois Théâtres municipaux inaugurés à Saigon, à Hanoi et à Haiphong, hauts lieux de la culture française. Cette découverte du théâtre occidental parlé entraîne au Vietnam de profonds bouleversements dans la création traditionnelle. La première traduction en écriture romanisée quốc ngữ d’une pièce française, Le Malade imaginaire de Molière, marque un tournant historique et donne naissance en 1921 à la première pièce de théâtre parlé vietnamien, La Tasse de poison, par Vũ Đình Long. Les intellectuels vietnamiens voient dans le théâtre en quốc ngữ, langue dont le développement est encouragé par le colonisateur, un moyen de s’émanciper de l’héritage chinois et de s’affirmer face à la domination coloniale. Cet ouvrage, dont le fil directeur montre comment paradoxalement l’assimilation de la culture du colonisateur contribue à la fondation d’un État indépendant et moderne, envisage les trois volets de la réception du théâtre français par le biais de la presse et des revues, de sa traduction et de son adaptation, enfin des pratiques théâtrales croisées...
Nombreux sont les critiques, voire les auteurs Minuit eux-mêmes, à avoir souligné les parentés stylistiques des romans publiés par cette maison d’édition, caractérisée depuis sa création par son exigence éditoriale. Jérôme Lindon, directeur des éditions de Minuit de 1948 à 2001, voyait plutôt leurs différences: « À la critique littéraire de voir leurs affinités », disait-il. Les études réunies dans ce volume proposent une confrontation et une analyse des écritures de différents « romanciers Minuit». Aux côtés de figures historiques telles celles de Samuel Beckett, Marguerite Duras, Alain Robbe-Grillet ou Michel Butor se trouvent aussi évoqués des auteurs contemporains comme Éric Chevillard, Jean-Philippe Toussaint, Eugène Savitzkaya, Christian Gailly, Yves Ravey, Laurent Mauvignier, Jean Rouaud, Éric Laurrent...
Les modalités d’écriture de l’esprit d’enfance, les personnages qui l’incarnent, les configurations narratives qui lui sont associées, l’inquiétude de Bernanos face à une jeunesse déboussolée par l’entre deux guerres ont été étudiés. S’interroger sur les traits féroces qui figent les écrivains à succès sous les apparences de vieillards impuissants et néfastes, retrouver, au fil des écrits de combat et de la correspondance, ces confidences sur l’âge mûr, la vieillesse qui vient et la crainte de n’être convaincant ni comme écrivain ni comme père, éclairer le paradoxe des Grands cimetières sous la lune, du « langage oublié » de l’enfance, qu’il faut chercher de livre en livre, interroger enfin le sens des agonies saisissantes qu’évoquent la plupart de ses romans ont été les tâches essentielles de cette étude.
Entre géométrie et profusion, entre rationalité et fantaisie, entre analyse et trompe-l’oeil, Calvino est le maître de l’étourdissement et de l’illusion d’optique, de l’interrogation infinie et d’une distance ironique qui se compte en années-lumière. Espaces cosmiques, espaces abstraits ou espaces intérieurs, ses décors vides ou saturés provoquent un tournis de la perception, une ivresse de l’intelligence. Défocalisations du regard, paradoxes de l’espace, structures en abyme, désorientations de la conscience, enivrements de l’écriture alternent dans ses mosaïques de pensée, ses géographies improbables, ses firmaments oniriques. Entre malice et angoisse, son oeuvre d’une remarquable variété trouve un dénominateur commun dans l’idée de vertige. Perle Abbrugiati nous y fait tomber.
Rendue célèbre par une éloquente Défense des droits de la femme (1792), Mary Wollstonecraft (1759-1797) est une figure importante de la littérature anglaise du XVIIIe siècle. Membre du cercle radical londonien incluant Paine, Blake, Godwin et le peintre Fuseli, elle vécut à Paris pendant la Révolution française, qu’elle soutint tout en regrettant ses errements. En 1795, l’entrepreneur américain Gilbert Imlay, père de son enfant, envoya Mary Wollstonecraft en Scandinavie afin d’y résoudre un épineux problème commercial. Ce fut pour elle l’occasion de rédiger un récit de voyage publié en 1796. Oscillant entre compte-rendu détaillé des pays traversés et épanchement des sentiments annonçant le romantisme, ce texte est ici présenté pour la première fois dans une édition complète en français.
Ce volume correspond aux actes du colloque « Giono, le texte en devenir », qui s’est tenu à Aix-Marseille Université et au Paraïs de Manosque les 10, 11 et 12 septembre 2015 à l’occasion du 120e anniversaire de la naissance de l’écrivain. L’œuvre de Giono y a essentiellement été interrogée dans sa dimension patrimoniale. Une bonne part des études rassemblées ici s’appuie précisément sur les fonds, archives et manuscrits gioniens, qui permettent notamment d’appréhender l’œuvre dans une perspective génétique. Dans une seconde partie de ce volume, c’est la question de la traduction des textes gioniens qui a été examinée. Dans une troisième et dernière partie, c’est le patrimoine historique, culturel, géographique voire naturel mis en scène dans l’œuvre qui est objet d’analyse : les lectures proposées s’inscrivent dans une direction désormais avérée des études gioniennes, confirmant ce qu’affirmait Giono lui-même : dans la Provence qu’il met en scène, « tout est inventé ».
« Finalement, je suis pour le classicisme : c’est cela l’avant-garde. » Dans Notes et contre-notes (1962) Ionesco exprime en ces termes, volontiers provocateurs, sa conception de la modernité théâtrale. Sans doute cette tension dynamique entre héritage et innovation, tradition et révolution, constitue-t-elle une clef de lecture efficace pour une grande part de la production dramatique française des XXe et XXIe siècles. Les contributeurs de cet ouvrage interrogent, à la lumière des notions en apparence antagonistes de « classicisme » et de « modernité », le vaste répertoire qu’ont contribué à forger des auteurs tels que Claudel, Giraudoux, Genet, Ionesco, Beckett ou encore Schéhadé. Ils en explorent la dramaturgie, questionnant notamment l’usage réservé aux didascalies ou l’interaction entre le théâtre et la danse. Ils s’intéressent également à la réécriture, phénomène qui fait écho à la stratégie classique de l’imitation en introduisant un rapport ludique au texte matriciel. Ils soulignent enfin l’importance accordée depuis deux siècles au metteur en scène et étudient la façon dont ce dernier est à l’origine de nombreuses...
Cet ouvrage présente des naqā’id. en format bilingue. Le terme naqā’id.a, qu’on peut traduire par joutes satiriques, désigne des paires de poèmes railleurs, composés sur le même mètre et la même rime. Elles opposent deux poètes appartenant à des groupes différents (clans ou tribus) qui s’affrontent sur le mode caustique et jouent malicieusement de l’intertextualité. Attestées dès l’époque antéislamique, ces joutes poétiques connaîtront leur apogée à l’époque umayyade (661-750 après J.‐C.). Mohammed Bakhouch propose ici une traduction des naqā’id. qui opposèrent, pendant vingt-trois ans, les poètes ˇGarīr (ayant vécu à al-Bas.ra, l’actuelle Bassora, en Irak, mort en 729) et al-A̮ ht.al (d’une tribu nomade de l’Est d’al-Jazîra, mort en 710). La traduction des vingt et un poèmes du recueil (le vingt unième est dû au poète al-Farazdaq, mort en 728 à al-Bas.ra) est précédée d’une présentation dans laquelle l’auteur met en exergue le rôle de l’honneur (le ’ird.) dans ces naqā’id. et leur triple dimension satirique, magique et dialogique.
Musique, littérature, théâtre, opéra - loin de s’ignorer, ces domaines de l’activité artistique s’inspirent mutuellement, échangent et partagent des thèmes et des procédés. Plus qu’une simple référence, la citation - musicale en littérature, littéraire en musique - est un apport fécond. Venus des mythes, les dieux habitent le monde de l’opéra, le parlé devient chanté dans un même élan poétique et, suprême synesthésie, la musique est image. La question de ces relations complexes et incessantes est à l’origine des travaux interdisciplinaires réalisés lors d’une université d’été européenne baptisée « Rencontres Sainte Cécile », du nom de la sainte patronne des musiciens. Cette manifestation a été organisée à l’initiative d’Élisabeth Rallo Ditche et en collaboration avec Aude Locatelli et Éric Lecler, en lien avec le prestigieux Festival d’art lyrique d’Aix‐en‐Provence.
T. Strozzi (1423-1505), qui fut le poète latin officiel de Borso d’Este, occupe à partir de 1497, et jusqu’à sa mort, la première fonction politico-administrative du Duché d’Este. Ferrare subit alors les pires calamités : disettes, épidémies, ravages de troupes mercenaires, augmentation des impôts due aux dépenses somptuaires du Duc. Le peuple cherche un bouc émissaire, le prince un fusible. Face à la vindicte populaire et à l’ingratitude princière, le poète, octogénaire, reprend une ultime fois son stylet pour se défendre auprès de ses amis et de la postérité. Ce seront les quatre satires-épîtres du Sermonum liber (c. 1503), inspirées d’Horace et modèles néo-latins des Satires de l’Arioste. En 1475, en revanche, Tito Strozzi avait participé à la curée en lançant, contre un ministre des finances criminel, que le peuple surnommait « Méchant Loup », une invective dans le ton des réquisitoires de Cicéron ou des poèmes de Claudien. La réunion de ces deux œuvres, qui sont pour la première fois éditées ou traduites, montre la richesse de la poésie satirique de T. Strozzi et son rôle majeur dans la renaissance du genre à l’époque...
Référence à un autre lieu géographique ou projection d’un imaginaire différent, artifice littéraire ou objet d’investissement symbolique, l’Ailleurs reste essentiellement un espace flou, dont les insaisissables contours font émerger des représentations plurielles. Cet ouvrage tente de montrer comment le Théâtre s’empare de cet espace et, selon des modalités qui lui sont propres, fait émerger les figurations spécifiques de cet espace Autre, fantasmé ou réel, imaginaire ou symbolique. Les divers articles analysent les représentations de l’Ailleurs au théâtre, pour en proposer les contours, la fonction et la portée dans les dramaturgies de la comedia et des créations modernes et post-modernes. Les travaux présentent différentes perspectives envisagées mais aucune n’est exclusive de l’autre. Cet espace différent, qui peut être à la fois géographique, imaginaire et linguistique, incite sans cesse à se projeter dans un Au-delà de la scène. C’est cet Au-delà, pluriel, multiple, fragmentaire et parfois indéfinissable qui a fait l’objet de notre attention.
On ne raconte pas d’histoire, on ne représente pas de scène sans rencontre : nul doute que la rencontre constitue l’une des matrices les plus riches de la topique romanesque. Mais que doit‐on précisément entendre par « rencontre » ? L’étude du Roman comique de Scarron, qui en décline toutes les variations de l’amour le plus pur au burlesque le plus cocasse, permet de s’interroger sur une notion beaucoup plus complexe qu’elle n’en a l’air. À côté des classiques scènes de rencontre amoureuse, de première rencontre, on voit alors surgir des rencontres d’animaux et d’objets, mais aussi des rencontres de mots et, au-delà, de cultures. Il ne s’agit ici ni de jouer sur le mot, ni simplement d’établir une classification, mais de réfléchir à l’interaction de ces niveaux de la rencontre, qui constitue un dispositif fictionnel d’une redoutable efficacité. Le Roman comique se trouve ainsi éclairé d’un jour nouveau, où la physique d’Aristote et de Descartes, la circulation du théâtre au roman, l’agencement de la matière espagnole, le traitement distancié de l’héritage pétrarquiste et baroque, le passage à l’image par...
Plus de deux décennies après sa mort, Bernard-Marie Koltès continue d’inspirer les metteurs en scène, les comédiens et les universitaires, en France comme à l’étranger. Cette reconnaissance repose pour une large part sur l’équilibre que son œuvre ménage entre une certaine tradition théâtrale et littéraire, et un goût de l’expérimentation confirmé par les nombreux voyages et par les multiples rencontres, fugitives et intenses, qui ont émaillé sa vie. Un équilibre entre érudition et liberté auquel l’éducation jésuite qu’il a reçue au Collège Saint-Clément de Metz n’est sans doute pas étrangère. Cette écriture est étudiée selon deux grands axes, la dramaturgie et l’intertextualité, par des spécialistes reconnus du théâtre et de la linguistique, et par de jeunes chercheurs dont le regard neuf stimule la lecture d’une œuvre passionnante.
Sand et Flaubert, deux écrivains que tout sépare... En effet, en cette deuxième moitié du XIXe siècle qui assiste au déclin de la rhétorique classique, et qui, par réaction au subjectivisme débridé (initié par Rousseau), se fait le « policier » de la langue, Sand et Flaubert n ́ont ni les mêmes rapports au monde ni les mêmes projets artistiques. Pourtant, tous deux se sont livrés, au fil des années, à une correspondance régulière et pressante à travers laquelle ils testent diverses stratégies, et que les outils de la pragmatique mettent particulièrement en évidence. L’un et l’autre lecteurs de Platon, pour qui le véritable dialogue va de soi à soi, Sand et Flaubert surchargent leurs lettres de méta-discours légitimant (et contre-légitimant) dans un mouvement qui se veut à la fois extérieur et intérieur, objectif et subjectif. Journaliste de son état, convaincue de l’utilité de l ́écriture et de la lecture, Sand va dans le sens de la doxa en légitimant le lien entre discours social et discours littéraire. Flaubert, lui, qui s’abstient de participer au débat public, transforme la Correspondance en un espace de réflexions. Les deux...
L’éclat et l’énergie des énoncés inconvenants et paradoxaux tiennent à la façon dont ils attaquent soit la logique ou le bon sens, soit la civilité ou la morale, soit les deux à la fois. Subtils ou agressifs, ils interrogent et relativisent l’aspiration ou la prétention au sérieux dans la pensée. Bien qu’ils n’aient pas été toujours produits au sein de l’institution littéraire, ils apparaissent comme des manifestations particulièrement exemplaires de la créativité langagière, et à ce titre de la poéticité. C’est pourquoi les littéraires en général et les stylisticiens en particulier peuvent les considérer comme d’excellents candidats pour illustrer ce que l’art littéraire ou la fonction poétique « font » à la pensée, et ce que la pensée fait à la forme. La question clé qui sous-tendait ce 4e colloque de l’AIS (Association Internationale de Stylistique), qui a eu lieu à l’automne 2018 à Aix-en-Provence, engageait ainsi deux notions a priori hétérogènes : le paradoxe, notion logique bien balisée, et l’inconvenance, qui relève du jugement de valeur, de nature morale. La problématique comportait également deux aspects...